乐感

　　“感于物而动，故形于声。”——音乐感知

　　乐感可以理解为对音乐的感应，或者说是感知、感觉。

　　“心有感于物而变动，由声表现出来。”

　　音乐的素材是客观存在的，比如旋律、节奏、和声以及音准音色，演奏者要有意识地用大脑将这些元素进行理解、加工、再创造，将原本孤立的音符变成有意义、有灵性的音响，这种“音乐加工”就是认知、体会、感知的过程，这些都可以归结为心理活动，也就是说，离开了内心的体验，客观的音乐素材将很难被“感应”形成音乐的。

　　演奏者在演奏的同时，也充当着欣赏者的角色，随时辨别、随对调整、随时加强对旋律、节奏和音准音色相应的“感知”能力，多数情况下被人们称作“旋律感”、“节奏感”等等。

　　然而很多学生在音乐实践中并没有真正把握住旋律、节奏所给予的客观提示，没有用脑、用心体会乐节乐句、乐段所带来的抑扬顿挫、丰富多彩的旋律气息，这势必会阻碍音乐的表现力，表现出来的只能称作“音”而不能称作“乐”。

　　音乐是时间的艺术，它是动的，是无穷变化着的，音乐领导我们去把握世界生命万千形象里最深的节奏的起伏。由此，我们理解到，节奏感并不单单指对节奏型、节拍把握得如何精准，而是要将节奏型赋予人内心的体验和感受，这才是作品要让演奏者表达的真正含义所在。

　　怎样才能“感于物而动”呢?

　　1．要有丰富的人生阅历，“心”才能很敏感地被“物”触动。

　　2．增强理性的学识与扩充，要善于发现“物”的“美”。

　　那么，如何让学生加强内在感觉，使音乐充满灵性呢?

　　1．对演奏的乐曲随时都持有新鲜感，在不改变乐曲总体情绪的要求下，尝试每一遍体会不同感受、不同状态的演奏方式，寻找最符合内心感受和乐曲内容的演奏状态，是积极的、创造性的，拒绝乏味的“复印式”练琴。

　　2．演奏时，注意力和思路不能间断，在不断流动、变幻的音乐线条中，设计好演奏的旋律，哪该起伏?哪该跌宕?随时保持自我欣赏，自我矫正的态度，失去这些链接，思路将会被阻断，这就常会出现“头脑一片空白”的现象。

　　3．在头脑中尽可能多的储存有关音乐学习的资料，在演奏的同时积极调动记忆中的影像，从而获得对音乐内容感受的敏感性。