吉他手有时会有这样的想法，如果不从理论角度来分析一下他们所要弹奏的乐曲的话，他们就不会真正的理解这首乐曲。这不对。事实上，当你把一件东西清楚地归类之后，并不能使它变得更真实。音乐性才是真实的本质，理论只是思考音乐的一种方式，或者说是组织它的方式，这样我们才能更清楚地知道如何利用已有的和如何创造出崭新的。和音乐性相比，理论永远是第二位的。因此，不要被理论束缚住而忽视了真实的音乐和情感的表现.

        也不要让理论知识限制了你的视角，而让你看东西变得狭隘。音乐中所有的“规则”都只是一种引导而已。要用你的理论知识来扩展选择的范围。记住，任何事情都是可能的。并不一定是“合理”的、在理论上行得通的才是好听的音乐。

        另一点值得提到的是，你并不一定要弹得多难或者多快才会被认为弹得很好。事实上，在多数情况下反过来才是正确的。你需要和听众沟通，简单的东西才更容易被接受。这就是为什么摇滚乐和金属乐虽然只在简单而强壮的riff和节奏上不断重复却能经久不衰的原因。当然，想要锻炼出快速的弹奏技巧，你需要不断的练习，练习，再练习。但是当在solo中的时候，如果始终持续着高速的弹奏会让人厌倦，因此你需要有多样的变化！不时的慢下来弹奏，会让你的快速乐句显得更加突出。要考虑到音质和多样化，让你的solo很好地服务于乐曲整体，起到装饰的作用。乐曲才是最重要的，你solo的目的就是为其添加一些色彩。

        弹奏的多样化，从理论上来说是通过混合音乐的惯性和对比而达到的。音乐的惯性是由各种形式的重复建立起来的－一个动机、音序、问答形式、重复出现的主题等等。打破已建立好的模式，其结果就是产生了对比－比如在一些低音之后弹奏一个高音音符，转换音阶，使用调外音，在一段慢速乐段后加快速度弹奏，或者在一段快速乐段后放慢速度，或者这样：在一段很长的、密西西比式的、肝肠寸断的、尖锐的推揉弦之后，用一串上行的模进音型、快速的拨弦和紧迫的licks来达到solo的高潮，你觉得怎么样？这样就产生些对比了，由不同的情感引导出来的。

        回到我们关于音乐理论的讨论上来，你在弹奏乐曲的时候，不一定非要知道它背后的理论。想法有时可以从即兴中来，从对指板的探索中来，从模仿他人的licks中来，或者仅从想象中来，让你“内心的耳朵”在你随意想象时捕捉思想中的声音（然后快速地拿起吉他，在你的想法消失前把它弹出来）。总之，最终从你的音箱中发出的声音才是最重要的。

        最后一点是，有时候你弹奏什么并不重要（what to play），而重要的是你如何去弹（how to play）。伟大的吉他手能把一个最简单的licks变得伟大。这完全都在对推弦、触弦、揉弦的微妙处理上，音的清晰度与音色会大不一样。在练习时给自己录音，不要只听音符的正确与否，还要注意你对音符的润色和清晰度如何，这才是你能找到感觉和表现力的地方。暂时忘记掉音符的功能，只去想怎样让它好听。请记住一个原则－如果它好听，那就是好的（if it sounds good, it is good!）